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Copy of a Drawing After Michelangelo Buonarroti

Standing Male Nude Seen From Behind After Michelangelo

The drawing above is a copy of a work entitled ‘Standing Male Back Nude’ by Michelangelo Buonarroti. The original is housed in the Albertina Museum in Vienna. Michelangelo’s drawing was done in brown pen over black chalk. I drew mine in graphite pencil over another layer of graphite pencil. I have copied drawings from Michelangelo before and perhaps I’ve even talked about him. But I mean it is Michelangelo, so I guess we can always talk about him some more.
The following information comes from Wikipedia. Actually, the German version of Wikipedia that was then translated into English using the built-in translator feature on my browser. I guess I could just go to the English version of Wikipedia or translate the Italian Wikipedia page but this method is more fun and exciting and if you’ve read the rest of my blogs you will see that fun and exciting and me go hand in hand. Moving on, the German wikipedia page says Michelangelo came from a middle class family in Florence, Italy and that their family was distinguished. The family was distinguished, not Florence. Although you could say the city of Florence is quite distinguished. But the article states that his family was distinguished. However, it doesn’t say what exactly makes the family distinguished. It does say his father worked for a year as a city bailiff in Caprese. So I guess that is enough to make a family distinguishing.
Michelangelo had always wanted to become an artist even though his father was against it. When he was thirteen he convinced his father to let him study art. So he became an apprentice in the workshop of Domenico Ghirlandaio where he learned to paint on fresco. So let’s get this straight, Michelangelo knew as a child what he wanted to do the rest of his life. And not only that, he was also able at the age of 13 to convince his father to let him do it. I’m going to let that sink in and call it a day. More to come later…

And now for the much anticipated Spanish translation by the good folks at Google translate:

El dibujo de arriba es una copia de una obra titulada ‘Standing Male Back Nude’ de Michelangelo Buonarroti. El original se encuentra en el Museo Albertina de Viena. El dibujo de Miguel Ángel se hizo con bolígrafo marrón sobre tiza negra. Dibujé el mío con lápiz de grafito sobre otra capa de lápiz de grafito. He copiado dibujos de Miguel Ángel antes y tal vez incluso he hablado de él. Pero quiero decir que es Miguel Ángel, así que supongo que siempre podemos hablar un poco más sobre él. La siguiente información proviene de Wikipedia. En realidad, la versión alemana de Wikipedia que luego se tradujo al inglés usando la función de traductor integrada en mi navegador. Supongo que podría simplemente ir a la versión en inglés de Wikipedia o traducir la página de Wikipedia en italiano, pero este método es más divertido y emocionante, y si has leído el resto de mis blogs, verás que la diversión y la emoción van de la mano. . Continuando, la página alemana de wikipedia dice que Miguel Ángel provenía de una familia de clase media en Florencia, Italia, y que su familia era distinguida. La familia se distinguió, no Florencia. Aunque se podría decir que la ciudad de Florencia es bastante distinguida. Pero el artículo dice que su familia era distinguida. Sin embargo, no dice qué es exactamente lo que distingue a la familia. Sí dice que su padre trabajó durante un año como alguacil de la ciudad de Caprese. Así que supongo que eso es suficiente para que una familia se distinga. Miguel Ángel siempre había querido convertirse en artista a pesar de que su padre estaba en contra. Cuando tenía trece años convenció a su padre para que lo dejara estudiar arte. Entonces se convirtió en aprendiz en el taller de Domenico Ghirlandaio donde aprendió a pintar al fresco. Así que aclaremos esto, Miguel Ángel sabía desde niño lo que quería hacer el resto de su vida. Y no solo eso, también fue capaz a la edad de 13 años de convencer a su padre para que lo dejara hacerlo. Voy a dejar que eso se hunda y llamarlo un día. Más por venir más tarde…

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Drawing After Charles Le Brun of Prometheus Bound

Drawing of Prometheus Bound After Charles Le Brun

Right above this text you should see a copy of a drawing by Charles Le Brun. The original was done in Sanguine with some white added. Sanguine is a chalk with a reddish-brown color that resembles dried blood. If you want to buy some for drawing you can find it at better art supplies stores everywhere. Just ask for Sanguine chalk for drawing. I have found that this is more effective than asking for something that looks like dried blood. Sanguine or Sanguigna in Italian or Sanguis in Latin has been around for centuries. There was also some white added to Le Brun’s drawing. It didn’t say what kind of white so you are on your own. I drew my copy using Black and white Prismacolor pencils on gray toned paper. The subject of the drawing is Prometheus Bound. Which is a Greek play written by Aeschylus sometime between 479 bc and 424 bc. This tragedy is about the Titan Prometheus who disobeys Zeus by giving fire to mankind. Apparently, Zeus did not believe man deserved fire but Prometheus thought man would need fire to stay warm, cook food and ultimately over cook that same food. Zeus punished Prometheus by tying him up with chains and then let an eagle eat his liver. The liver would grow back every night and then the eagle would then eat the liver again. So there are two things we can learn from this story. First of all, only eagles are willing to eat liver and secondly you should never do anything that benefits mankind.
Let’s talk about Charles Le Brun. According to Wikipedia, he was baptized in Paris, France on February 24, 1619 and died on February 12, 1690. He was a painter, an art theorist, an art school director and a physiognomist. You probably are unsure what a painter does. He paints. You are probably even more confused about what a physiognomist is. Apparently, and this is according to Wikipedia, it is someone who judges a persons character by their appearance. I’m going to leave it there.

And now for the same nonsense in Spanish by our friends at Google translate

Justo encima de este texto deberías ver una copia de un dibujo de Charles Le Brun. El original se hizo en Sanguine con algo de blanco añadido. Sanguine es una tiza con un color marrón rojizo que se asemeja a la sangre seca. Si desea comprar algunos para dibujar, puede encontrarlos en las mejores tiendas de suministros de arte en todas partes. Solo pide tiza Sanguine para dibujar. Descubrí que esto es más efectivo que pedir algo que parece sangre seca. Sanguine o Sanguigna en italiano o Sanguis en latín ha existido durante siglos. También se agregó algo de blanco al dibujo de Le Brun. No dijo qué tipo de blanco, así que estás solo. Dibujé mi copia con lápices Prismacolor en blanco y negro sobre papel en tonos grises. El tema del dibujo es Prometheus Bound. Que es una obra griega escrita por Esquilo en algún momento entre el 479 a. C. y el 424 a. C. Esta tragedia trata sobre el Titán Prometeo que desobedece a Zeus dando fuego a la humanidad. Aparentemente, Zeus no creía que el hombre mereciera el fuego, pero Prometeo pensó que el hombre necesitaría fuego para mantenerse caliente, cocinar y, en última instancia, cocinar en exceso esa misma comida. Zeus castigó a Prometeo atándolo con cadenas y luego dejando que un águila se comiera su hígado. El hígado volvía a crecer cada noche y luego el águila volvía a comer el hígado. Así que hay dos cosas que podemos aprender de esta historia. En primer lugar, solo las águilas están dispuestas a comer hígado y, en segundo lugar, nunca debes hacer nada que beneficie a la humanidad. Hablemos de Charles Le Brun. Según Wikipedia, fue bautizado en París, Francia el 24 de febrero de 1619 y murió el 12 de febrero de 1690. Fue pintor, teórico del arte, director de escuela de arte y fisonomista. Probablemente no esté seguro de lo que hace un pintor. El pinta. Probablemente esté aún más confundido acerca de lo que es un fisonomista. Aparentemente, y esto es según Wikipedia, es alguien que juzga el carácter de una persona por su apariencia. Voy a dejarlo ahí.

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Graphite Drawing After Rembrandt

Nude Woman on a Stool After Rembrandt

This next blog post is a drawing of a female nude sitting on a stool copied from a work by Rembrandt. Also known as Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Rembrandt Harmensz. van Rijn Rembrandt Harmensz. van Rijn, Rembrandt Harmensz. van Rhijn Rembrandt Harmensz. van Rhijn, Rembrandt Harmenszoon van Rijn Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Rembrandt Harmensz. van Rijn, Rembrandt van Rijn. Thank you to the Art Institute of Chicago for not only housing the drawing we are referring to but for also providing us the variations of his name just in case we didn’t recognize the name Rembrandt. I was totally confused when I saw the drawing was done by someone named Rembrandt. I always called him Haremszoon or simply Harmensz. I think most people make that simple mistake.
As I mentioned before, the original drawing is on display at the Art Institute of Chicago. Which if I remember correctly is some kind of art institute that is located in or around the Chicago metropolitan area. Sometimes instead of just regurgitating some information I haphazardly found on the web, I like to express my own knowledge about art and the world around myself and the world around art which would be I would guess the same world. If you have ever been to the Art Institute in Chicago and had the time or inclination to visit the drawing department you might have seen it. At the time of this post however it is not on view so you will have to wait. Sometimes it is out on loan to a major museum in a major city. If you live in a small town like Margate, Florida then it is highly unlikely that you will see this drawing. If fact it is highly unlikely that you will see any major work of art. If you want to see lots of bad copies of old master drawings then just stop by my place.

And now for the greatly anticipated Spanish version brought to you by the good people at Google Translate.

La siguiente entrada del blog es un dibujo de una mujer desnuda sentada en un taburete copiado de una obra de Rembrandt. También conocido como Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Rembrandt Harmensz. van Rijn Rembrandt Harmensz. van Rijn, Rembrandt Harmensz. van Rhijn Rembrandt Harmensz. van Rhijn, Rembrandt Harmenszoon van Rijn Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Rembrandt Harmensz. van Rijn, Rembrandt van Rijn. Gracias al Art Institute of Chicago por no solo albergar el dibujo al que nos referimos, sino también por brindarnos las variaciones de su nombre en caso de que no reconozcamos el nombre de Rembrandt. Estaba totalmente confundido cuando vi que el dibujo lo había hecho alguien llamado Rembrandt. Siempre lo llamé Haremszoon o simplemente Harmensz. Creo que la mayoría de la gente comete ese simple error. Como mencioné antes, el dibujo está en exhibición en el Instituto de Arte de Chicago. Que, si no recuerdo mal, es una especie de instituto de arte que se encuentra en o alrededor del área metropolitana de Chicago. A veces, en lugar de simplemente regurgitar alguna información que encontré en la web al azar, me gusta expresar mi propio conocimiento sobre el arte y el mundo que me rodea y el mundo que rodea al arte, que sería, supongo, el mismo mundo. Si alguna vez ha estado en el Instituto de Arte de Chicago y ha tenido el tiempo o la inclinación de visitar el departamento de dibujo, es posible que lo haya visto. En el momento de esta publicación, sin embargo, no está a la vista, por lo que tendrá que esperar. A veces está prestado a un museo importante en una ciudad importante. Si vives en un pueblo pequeño como Margate, Florida, es muy poco probable que veas este dibujo. De hecho, es muy poco probable que vea alguna obra de arte importante. Si quieres ver muchas copias malas de dibujos de maestros antiguos, simplemente pasa por mi casa.

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Graphite Pencil Drawing after Peter Paul Rubens

Graphite Drawing after Peter Paul Rubens

My next offering is a copy of drawing done by the Flemish master Peter Paul Rubens sometime between 1617-18. The Victoria and Albert Museum where the drawing is displayed describes his work as a study of a nude man that is in a recumbent position and then trying to raise himself up and that seems to confirm what we see. But wait there’s more. There are also two studies of legs, that are in a kneeling position. The original drawing was done in black chalk with touches of white. I drew my copy with various graphite pencils. Actually just two different pencils, I just don’t remember which ones they were. One was light and the other dark. There are drawing pencil sets with several different types of pencils but I personally find it difficult to keep track of when to use each one so I usually only use two. I hope you had as much fun reading about pencils as I have writing about them. Just in case you can have too much of a good thing, let’s move on.
The original drawing was a study for the painting “Miracles of St. Francis Xavier”, which is a large altarpiece that is on display at the Kunsthistorisches Museum in Vienna. The subject in the drawing is not St. Francis but some ‘regular joe’ that is raising from his grave or perhaps he is being healed from the bubonic plague. Maybe he died of the plague and then St. Francis Xavier brought him back from the dead or he was still alive and want to sit up to see what all the commotion was about. Different websites have different ideas about what is actually going on with that pale fellow. But one thing we do now it that he is a man who is in the presence of St. Francis Xavier and that is something in and of itself.

And now for the Spanish version courtesy of Google Translate:

Mi próxima oferta es una copia del dibujo realizado por el maestro flamenco Peter Paul Rubens en algún momento entre 1617-18. El Museo Victoria and Albert, donde se exhibe el dibujo, describe su trabajo como un estudio de un hombre desnudo que está en posición recostada y luego intenta levantarse y eso parece confirmar lo que vemos. Pero espera hay mas. También hay dos estudios de piernas, que están en posición de rodillas. El dibujo original fue realizado en tiza negra con toques de blanco. Dibujé mi copia con varios lápices de grafito. En realidad, solo dos lápices diferentes, solo que no recuerdo cuáles eran. Uno era claro y el otro oscuro. Hay juegos de lápices de dibujo con varios tipos diferentes de lápices, pero personalmente me resulta difícil hacer un seguimiento de cuándo usar cada uno, por lo que generalmente solo uso dos. Espero que te hayas divertido tanto leyendo sobre lápices como yo escribiendo sobre ellos. En caso de que puedas tener demasiado de algo bueno, sigamos adelante.
El dibujo original era un estudio para la pintura “Milagros de San Francisco Javier”, que es un gran retablo que se exhibe en el Kunsthistorisches Museum de Viena. El sujeto del dibujo no es San Francisco, sino un ‘joe normal’ que se está levantando de su tumba o tal vez está siendo curado de la peste bubónica. Tal vez murió de la peste y luego San Francisco Javier lo resucitó o todavía estaba vivo y quería sentarse para ver de qué se trataba toda la conmoción. Diferentes sitios web tienen diferentes ideas sobre lo que realmente está pasando con ese tipo pálido. Pero una cosa que sabemos ahora es que él es un hombre que está en la presencia de San Francisco Javier y eso es algo en sí mismo.

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Graphite Drawing After Jacopo Pontormo

Graphite drawing after Jacopo Pontormo of female legs

Pictured above is a copy of drawing by Jacopo Pontormo. I drew mine in graphite pencil on Strathmore paper while the original by Pontormo was done in red chalk. I had mentioned earlier that I do not care for the scratchiness of chalk and I believed I talked about Jacopo Pontormo. Just in case you didn’t know about Pontormo, he was born in 1494 in Empoli, Italy. He was taught by numerous great painters including Leonardo da Vinci and became an important artist in the Sixteenth century. He help develop the expressive style of Mannerism. His work also became a big influence on the later Baroque style, influencing artists like his own student, Bronzino. Pontormo was also greatly admired by other artists at the time. Michelangelo Buonarroti happen to see a painting that Pontormo had done he said “This young man [age 19] will be such an artist, based on what can be seen, that if he lives and continues on, he will exalt this art to the heavens.” High praise indeed. This quote was taken from the “Lives of the Artists” written by Giorgio Vasari. He goes on to write about Jacopo Pontormo’s character. He states that Pontormo was a quite unique person. He was so afraid of death that he didn’t even want to hear it discussed. Varasi also states that he would run away from having any contact with dead bodies but is that really that unique or different. Perhaps in 16th century Italy people loved to hang around dead bodies. Apparently Pontormo would also avoid crowds and kept to himself. He also put so much thought into his work that some days he would just stand and think without painting anything. However he was able to create anything he put his mind to.
The original drawing that I worked from is housed in the Uffizi Gallery in Florence Italy. There are several of his works in this fine art institution. Until next time…

And now for the Spanish translation by Google Translate:

La foto de arriba es una copia del dibujo de Jacopo Pontormo. Dibujé el mío con lápiz de grafito sobre papel Strathmore mientras que el original de Pontormo lo hice con tiza roja. Anteriormente había mencionado que no me importa la picazón de la tiza y creí haber hablado de Jacopo Pontormo. Por si no sabías de Pontormo, nació en 1494 en Empoli, Italia. Fue instruido por numerosos grandes pintores, incluido Leonardo da Vinci, y se convirtió en un artista importante en el siglo XVI. Ayudó a desarrollar el estilo expresivo del Manierismo. Su trabajo también se convirtió en una gran influencia en el estilo barroco posterior, influyendo en artistas como su propio alumno, Bronzino. Pontormo también fue muy admirado por otros artistas de la época. Michelangelo Buonarroti vio por casualidad una pintura que había hecho Pontormo y dijo: “Este joven [de 19 años] será un artista tal, basado en lo que se puede ver, que si vive y continúa, exaltará este arte a los cielos .” Un gran elogio de hecho. Esta cita fue tomada de las “Vidas de los Artistas” escritas por Giorgio Vasari. Continúa escribiendo sobre el personaje de Jacopo Pontormo. Afirma que Pontormo era una persona bastante singular. Tenía tanto miedo a la muerte que ni siquiera quería oír hablar de ella. Varasi también afirma que huiría de tener cualquier contacto con cadáveres, pero es realmente tan único o diferente. Quizás en la Italia del siglo XVI a la gente le encantaba andar alrededor de cadáveres. Aparentemente, Pontormo también evitaría las multitudes y se mantendría solo. También pensó tanto en su trabajo que algunos días simplemente se paraba y pensaba sin pintar nada. Sin embargo, fue capaz de crear todo lo que se proponía. El dibujo original con el que trabajé se encuentra en la Galería de los Uffizi en Florencia, Italia. Hay varias de sus obras en esta institución de bellas artes. Hasta la proxima vez…

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Graphite Drawing Copied from a Work by Taddeo Zuccaro

Nude male figure with upraised arms copied from Taddeo Zuccaro

Next up we have another male nude figure seen from the back. It is a drawing done in graphite pencils on 9″ x 12″ Strathmore paper. The original by Taddeo Zuccaro is about 17 in. x 11 in. and was done in red chalk and highlighted with white gouache (which is somewhat similar to watercolor).
Taddeo Zuccaro was born around the year 1540 in Sant’Angelo in Vado. He moved to Rome to study painting at the age of 14 and at 17 started studying under the master Correggio. He was an excellent draftsman and eventually became famous from his frescoes of historical themes.
The subject of the original, created in 1550, is a male nude drawn by life but is also somewhat based on the style of the ‘Horse Tamers’ which is a group of Roman sculptures on the Quirinal Hill. The original drawing is done in a naturalistic style but also distorted somewhat in the style of Michelangelo. Not only did Taddeo Zuccaro admire Michelangelo but Michelangelo in turn admired the young Taddeo Zuccaro for his skills as a draftsman. The nude figure study is similar to one he drew in which a soldier is holding the reins of a horse in the foreground of the composition. Both works were done as preparatory work for a fresco that decorated a Roman Palace. According to the description by the Metropolitan Museum in New York, the fresco is now lost. I don’t know how you lose a fresco or a palace. I should do some more research, although it might be more interesting to you and less work for me if I didn’t do anymore research on the frescoes and created some mystery. However, I did find out that the original drawing by Taddeo Zuccaro is in the collection of the Metropolitan but unfortunately is not on view. So you aren’t able to see it. And the other drawing that is similar to that one is in a private collection. So you can’t see that one either. I’m not sure what I did with the copy of it I drew so you can’t see that at the moment either. This just isn’t your day.
And now for the Spanish version by Google translate:
A continuación tenemos otra figura desnuda vista desde atrás, gracias a Dios. O si eres judío, agradece a Di-s. Es un dibujo realizado en lápices de grafito sobre papel Strathmore de 9 “x 12”. El original de Taddeo Zuccaro mide aproximadamente 43 x 28 cm, fue realizado con tiza roja y resaltado con aguada blanca (similar a la acuarela).
Taddeo Zuccaro nació alrededor del año 1540 en Sant’Angelo in Vado. Se trasladó a Roma para estudiar pintura a los 14 años y a los 17 empezó a estudiar con el maestro Correggio. Fue un excelente dibujante y finalmente se hizo famoso por sus frescos de temas históricos.
El tema del original, creado en 1550, es un desnudo masculino dibujado por la vida, pero también está algo basado en el estilo de los ‘Domadores de caballos’, que es un grupo de esculturas romanas en el Quirinal Hill. El dibujo original está hecho en un estilo naturalista pero también algo distorsionado al estilo de Miguel Ángel. Taddeo Zuccaro no solo admiraba a Miguel Ángel, sino que Miguel Ángel a su vez admiraba al joven Taddeo Zuccaro por sus habilidades como dibujante. El estudio de la figura desnuda es similar a uno que dibujó en el que un soldado sostiene las riendas de un caballo en el primer plano de la composición. Ambas obras se realizaron como trabajo preparatorio de un fresco que decoraba un palacio romano. Según la descripción del Museo Metropolitano de Nueva York, el fresco ahora está perdido. No sé cómo se pierde un fresco o un palacio. Debería investigar un poco más, aunque podría ser más interesante para ti y menos trabajo para mí si no investigara más sobre los frescos y creara algún misterio. Sin embargo, descubrí que el dibujo original de Taddeo Zuccaro está en la colección del Metropolitan, pero desafortunadamente no está a la vista. Entonces no puedes verlo. Y el otro dibujo que es similar a ese está en una colección privada. Así que tampoco puedes ver ese. No estoy seguro de qué hice con la copia que dibujé, así que tampoco puedes ver eso en este momento. Este no es tu día.

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Drawing of Hercules and Antaeus after Signorelli

Graphite Drawing after Signorelli of Hercules and Antaeus

This next post is a graphite drawing of Hercules and Antaeus copied from a work in black chalk by Luca Signorelli. Signorelli who’s full name is Luca d’Egidio di Ventura de’ Signorelli, was referred to as Luca da Cortona because he was from, you guessed it, Cortona, Italy. According to my research, Signorelli was born sometime between 1445 and 1450. So apparently the record keeping was not very good in Cortona or women spent incredibly long periods in labor. Signorelli died in Cortona on October 16, 1523, so apparently record keeping greatly improved during his lifetime or perhaps deaths were considered more important than births. I’m not trying to judge anyone’s culture. I’m just trying to keep an open mind. I mean they know the exact date of his death but… I’m going to have to move on from this.
Luca Signorelli was known for his frescoes, most notably the series based on the end of the world in the Orvieto Cathedral. These frescoes were even praised by Michelangelo, whom he greatly admired. Signorelli worked in an intense and dramatic style. Raphael admired and was influenced by his work.
Now let’s talk about Hercules and Antaeus of the ever popular Greek mythology. I have said this before but it bears repeating. I often start to doze off when I read or write or even think about any type of mythology so I’ll try to keep this brief. The giant Antaeus was the son of Gaea, the goddess of earth and Poseidon, the god of the sea. Antaeus was considered invincible due to the fact that his strength was renewed when his feet touched the ground. He would often challenge strangers to fight him. Kind of like those guys that still live at home and take martial arts classes all day then go out at night and pick fights with people. You know the type. Getting back to Mythology. One day Antaeus got into a fight with Heracles, who figured out that Antaeus got his strength from touching the earth. So Hercules lifted Antaeus from the Earth then crushed him to death. Wild stuff indeed.

Translation into Spanish by Google Translate:

Esta próxima publicación es un dibujo en grafito de Hércules y Anteo copiado de una obra en tiza negra de Luca Signorelli. Signorelli, cuyo nombre completo es Luca d’Egidio di Ventura de ’Signorelli, fue llamado Luca da Cortona porque era de, lo adivinaste, Cortona, Italia. Según mi investigación, Signorelli nació en algún momento entre 1445 y 1450. Entonces, aparentemente, el mantenimiento de registros no fue muy bueno en Cortona o las mujeres pasaron períodos increíblemente largos en el trabajo de parto. Signorelli murió en Cortona el 16 de octubre de 1523, por lo que aparentemente el mantenimiento de registros mejoró mucho durante su vida o quizás las muertes se consideraron más importantes que los nacimientos. No intento juzgar la cultura de nadie. Solo intento mantener la mente abierta. Quiero decir que saben la fecha exacta de su muerte, pero … tendré que dejar esto. Luca Signorelli era conocido por sus frescos, sobre todo la serie basada en el fin del mundo en la catedral de Orvieto. Estos frescos incluso fueron elogiados por Miguel Ángel, a quien admiraba mucho. Signorelli trabajó con un estilo intenso y dramático. Rafael admiró y fue influenciado por su trabajo. Ahora hablemos de Hércules y Anteo de la siempre popular mitología griega. Ya he dicho esto antes, pero vale la pena repetirlo. A menudo empiezo a quedarme dormido cuando leo o escribo o incluso pienso en cualquier tipo de mitología, así que intentaré ser breve. El gigante Anteo era el hijo de Gea, la diosa de la tierra y Poseidón, el dios del mar. Anteo fue considerado invencible debido a que su fuerza se renovó cuando sus pies tocaron el suelo. A menudo desafiaba a extraños a luchar contra él. Algo así como esos tipos que todavía viven en casa y toman clases de artes marciales todo el día y luego salen por la noche y se pelean con la gente. Conoces el tipo. Volviendo a la mitología. Un día Anteo se peleó con Heracles, quien se dio cuenta de que Anteo obtenía su fuerza al tocar la tierra. Entonces Hércules levantó a Anteo de la Tierra y luego lo aplastó hasta la muerte. Ciertamente salvaje

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Drawing in Graphite After Pierre Paul Prud’hon

Graphite drawing of a nude woman after Pierre Paul Prud'hon

Next up on our Old Master copy marathon we have a graphite drawing after the talented draughtsman Pierre Paul Prud’hon. His drawing was done in black and white chalk. I never cared for the ‘scratchiness’ of chalk so I opted for pencils of varying darkness. The original work is 22 inches x 15 inches and mine is 12 inches x 9 inches. In fact all the old master copies I did were on 12×9 inch paper. Just in case you’re taking notes. Oh course I really only take up about 8×10 inches of the paper. Speaking of measurements, when I was growing up, teachers taught us the metric system and told us we will eventually transfer to it. Of course, they never set a date when that might occur so I guess technically they were not wrong. Enough of the tech talk, let’s talk about Pierre Paul Prud’hon.
Prud’hon was born on April 4, 1758 in Cluny, France. Which is about a 4 hour drive south from Paris. If you were walking it would take about 75 hours. So if your in Paris and want to visit Cluny, I recommend taking a car. I would make a great travel writer. I’ve never even been to Cluny, but I write about like a true native. Anyway, Pierre-Paul Prud’hon was a painter and draftsman who worked between the Neoclassical style which borrowed heavily from Ancient societies, and the Romanticism which embraced a more expressive, personal style. Prud’hon trained in Dijon, France then moved to Rome and became influenced by the work of Neoclassical artists such as the sculpture Antonio Canova and Jacques-Louis David. He made a living by painting portraits and drawing for engravers. When Napoleon Bonaparte discovered his talent, he was employed received some commissions as a decorator and portrait painter for the court. However, Prud’hon gained reputation from his allegorical paintings. Today he is admired more for his exquisite drawings.

And now for the Spanish translation courtesy of Google Translate:

A continuación, en nuestro maratón de copias de Old Master, tenemos un dibujo en grafito del talentoso dibujante Pierre Paul Prud’hon. Su dibujo fue realizado con tiza en blanco y negro. Nunca me preocupé por el “raspado” de la tiza, así que opté por lápices de diferente oscuridad. El trabajo original es de 22 pulgadas x 15 pulgadas y el mío es de 12 pulgadas x 9 pulgadas. De hecho, todas las copias maestras antiguas que hice fueron en papel de 12×9 pulgadas. Por si acaso estás tomando notas. Oh, por supuesto que en realidad solo ocupo unas 8 x 10 pulgadas del papel. Hablando de medidas, cuando yo era pequeño, los profesores nos enseñaron el sistema métrico y nos dijeron que eventualmente nos transferiremos a él. Por supuesto, nunca fijaron una fecha en la que eso podría ocurrir, así que supongo que técnicamente no se equivocaron. Basta de charlas sobre tecnología, hablemos de Pierre Paul Prud’hon. Prud’hon nació el 4 de abril de 1758 en Cluny, Francia. Que está a unas 4 horas en coche al sur de París. Si estuvieras caminando, tardarías unas 75 horas. Así que si estás en París y quieres visitar Cluny, te recomiendo que cojas un coche. Sería un gran escritor de viajes. Ni siquiera he estado en Cluny, pero escribo como un verdadero nativo. De todos modos, Pierre-Paul Prud’hon fue un pintor y dibujante que trabajó entre el estilo neoclásico, que tomó prestado en gran medida de las sociedades antiguas, y el romanticismo, que adoptó un estilo más expresivo y personal. Prud’hon se formó en Dijon, Francia, luego se mudó a Roma y recibió la influencia del trabajo de artistas neoclásicos como la escultura Antonio Canova y Jacques-Louis David. Se ganaba la vida pintando retratos y dibujando para grabadores. Cuando Napoleón Bonaparte descubrió su talento, lo contrataron recibió algunos encargos como decorador y retratista de la corte. Sin embargo, Prud’hon ganó reputación por sus pinturas alegóricas. Hoy es más admirado por sus exquisitos dibujos.

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Copy of a Drawing by Théodore Géricault

Graphite Pencil Drawing After Gericault

The drawing above is a copy. Are you starting to catch on that there are a lot of posts of old master copies? That’s because during the covid pandemic, I started to copy all the drawings out of a book of old master drawings in hopes of improving my drawing skills as well as kill a lot of time.
Let’s get back to the drawing at hand. It is a graphite sketch after the great French Romantic painter Théodore Géricault. The original is a study for one of the figures of his masterpiece “Raft of the Medusa” which hangs in the Louvre Museum in Paris. The drawing itself is in the Musée des Beaux Arts in Besançon, France.
Let’s talk about the painting “Raft of the Medusa.” It was not a commissioned piece which was unusual for a 19 century work this large (16′ 1″ x 23′ 6″). The painting can be categorized as a history painting but instead of honoring a triumph it captures a tragedy. The subjects of his work are not heroic solders or mythological gods but the victims and survivors of a shipwreck. After their ship ran aground. The survivors cobbled together a raft and in their 2 weeks at sea, eventually had to resort to cannibalism in order to survive. Out of the 147 passengers only 15 survived. The captain was blamed for the shipwreck since he had not even sailed for 20 years prior and was apparently only given the position based on his connection to those in power. Anyone who has worked for a family run company understands the situation. Not of the shipwreck but of nepotism.
Géricault did a lot of research and made many sketches in order to create his monumental painting. He even consulted with 2 of the survivors, made a scale model of the raft and in order to better capture the look of the dead and dying, he would visit morgues and hospitals.
After a year and a half of work, the painting was shown at the 1819 Paris Salon. It received both praise and criticism. It is now considered a masterpiece of French Romantic art and has influenced many great artists.

And now for the Spanish translation by Google Translate:

El dibujo de arriba es una copia. ¿Está empezando a darse cuenta de que hay muchas publicaciones de copias maestras antiguas? Eso es porque durante la pandemia de covid, comencé a copiar todos los dibujos de un libro de dibujos maestros antiguos con la esperanza de mejorar mis habilidades de dibujo y matar mucho tiempo. Volvamos al dibujo que tenemos a mano. Es un boceto de grafito según el gran pintor romántico francés Théodore Géricault. El original es un estudio de una de las figuras de su obra maestra “Balsa de la Medusa” que se encuentra en el Museo del Louvre en París. El dibujo en sí está en el Musée des Beaux Arts en Besançon, Francia. Hablemos del cuadro “Balsa de la Medusa”. No era una pieza encargada que fuera inusual para una obra del siglo XIX de este tamaño (16 ′ 1 ″ x 23 ′ 6 ″). La pintura se puede clasificar como pintura de historia, pero en lugar de honrar un triunfo, captura una tragedia. Los sujetos de su obra no son soldados heroicos o dioses mitológicos, sino víctimas y supervivientes de un naufragio. Después de que su barco encalló. Los sobrevivientes improvisaron una balsa y en sus 2 semanas en el mar, finalmente tuvieron que recurrir al canibalismo para sobrevivir. De los 147 pasajeros, solo 15 sobrevivieron. Se culpó al capitán por el naufragio ya que ni siquiera había navegado durante 20 años antes y aparentemente solo se le otorgó el puesto en función de su conexión con los que estaban en el poder. Cualquiera que haya trabajado para una empresa familiar comprende la situación. No del naufragio sino del nepotismo. Géricault investigó mucho y realizó muchos bocetos para crear su pintura monumental. Incluso consultó con 2 de los supervivientes, hizo un modelo a escala de la balsa y para captar mejor la mirada de los muertos y moribundos, visitaba morgues y hospitales. Después de un año y medio de trabajo, la pintura se mostró en el Salón de París de 1819. Recibió elogios y críticas. Ahora se considera una obra maestra del arte romántico francés y ha influido en muchos grandes artistas.