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Graphite Drawing After Leonardo da Vinci

Drawing of Male Nude After Leonardo da Vinci

So here we have a drawing done in ‘you guessed it’ graphite pencil. I’m not sure why I have to say ‘graphite’ before pencil. Pretty much all pencils are now made of graphite. There was once a time when pencils were made of lead. There was lead in paint, water pipes and gas. But since lead is toxic it was replaced. I feel sorry for the people that worked in the lead business. They were living the capitalist dream until they found out they not only were constantly exposed to a toxic substance, but they were also out of a job. I wonder if they found them both out on the same day. That would have been very unfortunate.
Let’s get back to the above drawing. It is a copy of a drawing by Leonardo da Vinci. The original is described as ‘nude man standing back to spectator.’ As you can see that pretty much sums up what it is.
As I have stated earlier, it was copied from a book on old master drawings. During the pandemic, which is still going on, I set out to copy every drawing in that book. There are 100 figure drawings. I must admit whenever I post one of these pictures I feel a bit strange. When I post a drawing of a nude women I wonder if people will think I’m some kind of pervert and if I post a drawing of a nude man then they might think I’m a gay pervert. I have also been posting these drawings on my Instagram account and I’ve been attracting some men that are, how do I put it, “light in the loafer”. Not that there is anything wrong with that. It’s a strange feeling to receive unwanted attention. This must be how a lot of women feel.
Anyway, let’s get back to the drawing. The original was done in red chalk. It is in the Royal Library located in the Windsor Castle just outside of London.

And now the translation by Google Translate:

Así que aquí tenemos un dibujo hecho en lápiz de grafito ‘lo adivinaste’. No estoy seguro de por qué tengo que decir “grafito” antes que lápiz. Casi todos los lápices ahora están hechos de grafito. Hubo un tiempo en que los lápices estaban hechos de plomo. Había plomo en la pintura, las tuberías de agua y el gas. Pero como el plomo es tóxico, fue reemplazado. Lo siento por las personas que trabajaron en el negocio del plomo. Vivían el sueño capitalista hasta que descubrieron que no solo estaban expuestos constantemente a una sustancia tóxica, sino que también estaban sin trabajo. Me pregunto si los descubrieron a ambos el mismo día. Eso hubiera sido muy desafortunado. Volvamos al dibujo de arriba. Es una copia de un dibujo de Leonardo da Vinci. El original se describe como “un hombre desnudo de espaldas al espectador”. Como puede ver, eso resume bastante bien lo que es. Como dije anteriormente, fue copiado de un libro sobre dibujos maestros antiguos. Durante la pandemia, que aún continúa, me propuse copiar todos los dibujos de ese libro. Hay 100 dibujos de figuras. Debo admitir que cada vez que publico una de estas fotos me siento un poco extraño. Cuando publico un dibujo de una mujer desnuda, me pregunto si la gente pensará que soy una especie de pervertido y si publico un dibujo de un hombre desnudo, es posible que piensen que soy un pervertido gay. También he estado publicando estos dibujos en mi cuenta de Instagram y he estado atrayendo a algunos hombres que son, cómo lo digo, “ligeros en el mocasín”. No es que haya nada malo en eso. Es una sensación extraña recibir atención no deseada. Debe ser así como se sienten muchas mujeres. De todos modos, volvamos al dibujo. El original fue realizado con tiza roja. Está en la Biblioteca Real ubicada en el Castillo de Windsor, a las afueras de Londres.

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India Ink Drawing After Pietro Faccini

Ink drawing after Pietro Faccini

So here we have a drawing done in India ink on watercolor paper. Or if in you’re in Indian, then just ink. I believe India ink was invented in China. So many things were invented in China that we have to pretend like some of them were invented elsewhere. Like gun powder in Germany or Chinese food in America.
Moving forward, the above drawing is copy from one done by Pietro Faccini. He drew his with black chalk on gray paper. The work is in the Teyler Museum located in Haarlem, Netherlands.
The Teylers museum includes not just art but it is also a museum of natural history and science. So you might have to wade through a lot of smarty pants stuff to get to the Faccini drawings. I’m sure there is another person writing about the fact that you have to walk by some artsy fartsy nonsense to get to the cool scientific stuff. The Teylers Museum was founded as a contemporary science and art center. There is a oval room in the neoclassical style behind the home of Pieter Teyler van der Hulst that is the historic center of the museum. Pieter Teyler made his money in the cloth business and was a banker as well. His ancestors were from Scotland and he was a follower of the Scottish Enlightenment. Yes, apparently there was a ‘Scottish Enlightenment’. He was also a Mennonite. I didn’t know what a Mennonite is so I had to research it. After my rather short time researching Mennonites, I still have very little idea what a Mennonite is. Apparently they are similar to the Amish but with better fashion sense.
I really should mention something about Pietro Faccini. Faccini was influenced by Barocci, Corregio and Carracci. He worked in a very expressive style that bridged the gap between Mannerism and Baroque. He studied art at the Carracci Academy in Bologna, Italy for four years before opening up his own studio. Unfortunately, his career in painting only lasted 10 years before he died in the year of 1602.

Here is the above post in Spanish, courtesy of Google translate:

Entonces aquí tenemos un dibujo hecho en tinta china sobre papel de acuarela. O si estás en indio, entonces solo tinta. Creo que la tinta china se inventó en China. Se inventaron tantas cosas en China que tenemos que fingir que algunas de ellas se inventaron en otros lugares. Como pólvora en Alemania o comida china en Estados Unidos. En el futuro, el dibujo de arriba es una copia de uno realizado por Pietro Faccini. Dibujó el suyo con tiza negra sobre papel gris. La obra se encuentra en el Museo Teyler ubicado en Haarlem, Holanda. El museo Teylers incluye no solo arte, sino que también es un museo de historia natural y ciencia. Por lo tanto, es posible que tenga que pasar por un montón de cosas de sabelotodo para llegar a los dibujos de Faccini. Estoy seguro de que hay otra persona escribiendo sobre el hecho de que tienes que pasar por algunas tonterías artísticas para llegar a las cosas científicas geniales. El Museo Teylers fue fundado como un centro de arte y ciencia contemporánea. Hay una sala ovalada de estilo neoclásico detrás de la casa de Pieter Teyler van der Hulst, que es el centro histórico del museo. Pieter Teyler ganaba dinero en el negocio de las telas y también era banquero. Sus antepasados ​​eran de Escocia y fue seguidor de la Ilustración escocesa. Sí, aparentemente hubo una ‘Ilustración escocesa’. También era menonita. No sabía qué es un menonita, así que tuve que investigarlo. Después de mi poco tiempo investigando a los menonitas, todavía tengo muy poca idea de lo que es un menonita. Aparentemente son similares a los Amish pero con mejor sentido de la moda. Realmente debería mencionar algo sobre Pietro Faccini. Faccini fue influenciado por Barocci, Corregio y Carracci. Trabajó con un estilo muy expresivo que colmó la brecha entre el manierismo y el barroco. Estudió arte en la Academia Carracci en Bolonia, Italia durante cuatro años antes de abrir su propio estudio. Desafortunadamente, su carrera en la pintura solo duró 10 años antes de morir en el año de 1602.

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Studies of Human and Dog Legs Copied from a Work by Leonardo da Vinci

human and dog legs after da vinci

Here we have a drawing copied from a drawing by the man who needs no introduction, Leonardo da Vinci. There has been quite a lot written about da Vinci. So much so that I don’t really need to write more. So I guess I’ll write about myself. It is not easy for me to write about myself. This I believe is due to the fact that during my childhood and adulthood I have been surrounded by people that are always talking. And most of the time they are usually talking about themselves. I know how boring it can be to hear someone talk about themselves. However, this is a blog and since it is my blog I should write something about myself.
Let’s start as far back as possible. My sister did a DNA ancestry test and she showed it to me. Basically, I am white, I mean really white. I am 99% European and 1% Euro-Asian. I had to look up what Euro-Asian meant. And it means pretty much what it sounds like. It’s a mix of European and Asian. My grandparents on by father’s side were from Holland. My grandparents on my mother’s side were from maybe Germany or some other part of Europe. They all settled in various parts of California. My parents met when my father was studying accounting at San Diego State University. After graduating, he got a job at Disneyland in Anaheim. My brother and sister were born around there. When Disney World was about to open they all moved to Orlando. I was born in 1970. My father was with Disney for about 20 years and worked his way up to Vice President of Finance. At the time I didn’t realize he was such a big wig. Anyway we did get to visit the Magic Kingdom a lot growing up. I always found it interesting the way people look at Disney. Whenever we went, we entered from the back of the park and since my father worked in finance he always talked about the business side of Disney. It really gave me an interesting perspective on Disney. More to follow…

And now for the Spanish translation brought to you by Google Translate:

Aquí tenemos un dibujo copiado de un dibujo del hombre que no necesita presentación, Leonardo da Vinci. Se ha escrito bastante sobre da Vinci. Tanto es así que realmente no necesito escribir más. Así que supongo que escribiré sobre mí. No es fácil para mí escribir sobre mí. Creo que esto se debe al hecho de que durante mi niñez y adultez he estado rodeado de personas que siempre están hablando. Y la mayor parte del tiempo suelen hablar de sí mismos. Sé lo aburrido que puede ser escuchar a alguien hablar de sí mismo. Sin embargo, este es un blog y, dado que es mi blog, debería escribir algo sobre mí. Comencemos lo más atrás posible. Mi hermana hizo una prueba de ADN de ascendencia y me la mostró. Básicamente, soy blanco, quiero decir muy blanco. Soy 99% europeo y 1% euroasiático. Tuve que buscar qué significaba euroasiático. Y significa prácticamente lo que parece. Es una mezcla de europeos y asiáticos. Mis abuelos paternos eran de Holanda. Mis abuelos maternos eran quizás de Alemania o de alguna otra parte de Europa. Todos se establecieron en varias partes de California. Mis padres se conocieron cuando mi padre estudiaba contabilidad en la Universidad Estatal de San Diego. Después de graduarse, consiguió un trabajo en Disneyland en Anaheim. Mi hermano y mi hermana nacieron por ahí. Cuando Disney World estaba a punto de abrir, todos se mudaron a Orlando. Nací en 1970. Mi padre estuvo en Disney durante unos 20 años y ascendió a Vicepresidente de Finanzas. En ese momento no me di cuenta de que tenía una peluca tan grande. De todos modos, pudimos visitar el Reino Mágico mucho mientras crecíamos. Siempre me pareció interesante la forma en que la gente ve a Disney. Siempre que íbamos, entramos por la parte trasera del parque y como mi padre trabajaba en finanzas siempre hablaba del lado comercial de Disney. Realmente me dio una perspectiva interesante sobre Disney. Mas para seguir…

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Copy of a Drawing by Théodore Géricault

Graphite Pencil Drawing After Gericault

The drawing above is a copy. Are you starting to catch on that there are a lot of posts of old master copies? That’s because during the covid pandemic, I started to copy all the drawings out of a book of old master drawings in hopes of improving my drawing skills as well as kill a lot of time.
Let’s get back to the drawing at hand. It is a graphite sketch after the great French Romantic painter Théodore Géricault. The original is a study for one of the figures of his masterpiece “Raft of the Medusa” which hangs in the Louvre Museum in Paris. The drawing itself is in the Musée des Beaux Arts in Besançon, France.
Let’s talk about the painting “Raft of the Medusa.” It was not a commissioned piece which was unusual for a 19 century work this large (16′ 1″ x 23′ 6″). The painting can be categorized as a history painting but instead of honoring a triumph it captures a tragedy. The subjects of his work are not heroic solders or mythological gods but the victims and survivors of a shipwreck. After their ship ran aground. The survivors cobbled together a raft and in their 2 weeks at sea, eventually had to resort to cannibalism in order to survive. Out of the 147 passengers only 15 survived. The captain was blamed for the shipwreck since he had not even sailed for 20 years prior and was apparently only given the position based on his connection to those in power. Anyone who has worked for a family run company understands the situation. Not of the shipwreck but of nepotism.
Géricault did a lot of research and made many sketches in order to create his monumental painting. He even consulted with 2 of the survivors, made a scale model of the raft and in order to better capture the look of the dead and dying, he would visit morgues and hospitals.
After a year and a half of work, the painting was shown at the 1819 Paris Salon. It received both praise and criticism. It is now considered a masterpiece of French Romantic art and has influenced many great artists.

And now for the Spanish translation by Google Translate:

El dibujo de arriba es una copia. ¿Está empezando a darse cuenta de que hay muchas publicaciones de copias maestras antiguas? Eso es porque durante la pandemia de covid, comencé a copiar todos los dibujos de un libro de dibujos maestros antiguos con la esperanza de mejorar mis habilidades de dibujo y matar mucho tiempo. Volvamos al dibujo que tenemos a mano. Es un boceto de grafito según el gran pintor romántico francés Théodore Géricault. El original es un estudio de una de las figuras de su obra maestra “Balsa de la Medusa” que se encuentra en el Museo del Louvre en París. El dibujo en sí está en el Musée des Beaux Arts en Besançon, Francia. Hablemos del cuadro “Balsa de la Medusa”. No era una pieza encargada que fuera inusual para una obra del siglo XIX de este tamaño (16 ′ 1 ″ x 23 ′ 6 ″). La pintura se puede clasificar como pintura de historia, pero en lugar de honrar un triunfo, captura una tragedia. Los sujetos de su obra no son soldados heroicos o dioses mitológicos, sino víctimas y supervivientes de un naufragio. Después de que su barco encalló. Los sobrevivientes improvisaron una balsa y en sus 2 semanas en el mar, finalmente tuvieron que recurrir al canibalismo para sobrevivir. De los 147 pasajeros, solo 15 sobrevivieron. Se culpó al capitán por el naufragio ya que ni siquiera había navegado durante 20 años antes y aparentemente solo se le otorgó el puesto en función de su conexión con los que estaban en el poder. Cualquiera que haya trabajado para una empresa familiar comprende la situación. No del naufragio sino del nepotismo. Géricault investigó mucho y realizó muchos bocetos para crear su pintura monumental. Incluso consultó con 2 de los supervivientes, hizo un modelo a escala de la balsa y para captar mejor la mirada de los muertos y moribundos, visitaba morgues y hospitales. Después de un año y medio de trabajo, la pintura se mostró en el Salón de París de 1819. Recibió elogios y críticas. Ahora se considera una obra maestra del arte romántico francés y ha influido en muchos grandes artistas.

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Graphite Drawing of the Three Graces after Raphael

Copy of The Three Graces by Raphael

The image in this blog post is a copy in graphite pencil of a Raphael drawing originally done in red chalk. The subject is “The Three Graces”. In Raphael’s drawing there are three nude figures representing, you guessed it, The Three Graces. I only drew two. Why did I only draw two? Because Raphael is Raphael and I am me. Raphael was a great artist and I am, like I said before, myself, that of which I am. At this point I would say something self deprecating like; I ain’t no Raphael but today I need to conserve as much self confidence as possible. So let us talk about The Three Graces. I must warn you up front that whenever I try to learn about Greek Mythology my brain shuts down. I mean like I have to lie down and take a nap in the fetal position type of breakdown. So in the interest of both of us I will basically just cut and paste whatever information I come across.
The Three Graces, also called Charites, come from Greek mythology. In his work “Theogony” Hesiod describes three Graces. So let me introduce to you the reader the Three Graces.
First off we have Aglaea. She represents Radiance. She glows like a EcoSmart Light Bulb. I am neither endorsed or have any professional or personal relationship with the EcoSmart brand. I was just trying to be clever.
Next up we have Euphrosyne. She represents “Joy”. She is basically the Selective Serotonin Re-uptake Inhibitor (antidepressant) of the ancient world. Her side effects might include:
• Nausea, vomiting or diarrhea
• Headache
• Drowsiness
• Dry mouth
• Insomnia
• Nervousness, agitation or restlessness
• Dizziness
The last but not certainly least grace, even though that is probably the one I left out in the drawing, is Thalia. She is a Mexican singer, businesswoman, and former actress. Born in Mexico City, she first achieved recognition as a member of the successful pop group Timbiriche from 1986 through 1989. Wait that’s the wrong Thalia. Anyway, she represents Flowering. Her parents were Zeus and Eurynome. I’m starting to get sleepy. That’s all for now.

And now in Spanish by Google Translate

La imagen en este blog Post es una copia en el lápiz de grafito de un dibujo de Rafael originalmente hecho en tiza roja. El sujeto es “las tres gracias”. En el dibujo de Rafael hay tres figuras desnudas que representan, lo adivinaste, las tres gracias. Solo dibujé dos. ¿Por qué solo dibujé dos? Porque Raphael es Raphael y yo soy yo. Raphael era un gran artista y yo, como dije antes, a mí mismo, aquello de lo que soy. En este punto diría algo que se estaba deprimiendo como; No soy Raphael, sino hoy, necesito conservar la mayor confianza posible. Así que hablemos de las tres gracias. Debo advertirte al frente de que cada vez que trato de aprender sobre la mitología griega, mi cerebro se apaga. Quiero decir, como si tuviera que acostarme y tomar una siesta en el tipo de desglose de la posición fetal. Entonces, en interés de los dos, básicamente, solo cortaré y pegaré cualquier información que me encuentre. Las tres gracias, también llamadas charites, provienen de la mitología griega. En su trabajo “tehogony” Hesíodo describe tres gracias. Así que déjame presentarles al lector las tres gracias. En primer lugar tenemos Aglaea. Ella representa la resistencia. Ella brilla como una bombilla de EcoSmart. No estoy respaldado ni tiene ninguna relación profesional o personal con la marca EcoSmart. Solo estaba tratando de ser inteligente. Siguiente Tenemos Euphrosyne. Ella representa la “alegría”. Básicamente, es el inhibidor selectivo de la re-captación de serotonina (antidepresivo) del mundo antiguo. Sus efectos secundarios pueden incluir: • Náuseas, vómitos o diarrea. • Dolor de cabeza • Somnolencia • Boca seca • insomnio • Nerviosidad, agitación o inquietud. • mareos La última, pero sin duda menos la gracia, aunque eso es probablemente la que dejé hacia afuera en el dibujo, es Thalia. Ella es una cantante, empresaria y antigua actriz mexicana. Nacido en la Ciudad de México, logró el reconocimiento por primera vez como miembro del exitoso grupo pop Timbiriche desde 1986 hasta 1989. Espera que es el error equivocado. De todos modos, ella representa la floración. Sus padres eran Zeus y Eurynome. Estoy empezando a tener sueño. Eso es todo por ahora.

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Drawing after Jacopo Bertora / Bertoia of Two Females

Drawing after Bertoia / Bertora of 2 females

Here we have “studies of two female nudes seen from the back”. It is a copy of a drawing done by Jacopo Bertoia, who was also known as Jacopo Zanguidi or Giacomo Zanguidi or Bertoja. The original was completed sometime around 1565 – 1570 in red chalk and can be found at the National Gallery of Scotland, Edinburgh.
If you go to Wikipedia to research Bertoia, you will be sadly disappointed. There is not a whole lot of information on him. In fact, half the page just lists all the names he was called.
He was born in Parma, Italy and studied under Sabatini. The artist Sabatini, not Gabriela Beatriz Sabatini who was professional tennis player from Argentina and not Rafael Sabatini who was an Italian-English writer but the artist Lorenzo Sabbatini, who was also went by the name of Lorenzino da Bologna or Sabatini, Sabattini or Sabadini. All these different names are getting to be a little much. So let’s just move on.
Jacopo Bertoia was greatly influenced by another Italian painter by the name of Parmigianino. He worked in the Mannerist style, which differed from the High Renaissance style by having more expressive and exaggerating proportions thereby making the work seem less balanced and harmonious. Parmigianino, whose full name was, wait for it… are you ready… Girolamo Francesco Maria Mazzola. But wait, there’s more. He was also known as Francesco Mazzola but mostly is known by the name, Parmigianino. He could have shortened the name to ‘Parm’, like waiters shorten “Eggplant Parmesan” to “Eggplant Parm”.
There could be reason for all these name mix ups. The artist might have originally wanted others to call them by their full name, however, people ignored such requests and came up with their own variation of the artists name. This is all really just a theory.
In other instances, such as in the case of Lorenzo Sabbatini, since was from Bologna was called Lorenzino da Bologna. Which either made him proud to be from Bologna or permanently branded him as an outsider wherever he went. I guess I could go by Bradley Georgio de Orlando, which I must admit sounds pretty cool.

And now in Spanish, thanks to Google Translate:

Aquí tenemos “estudios de dos desnudos femeninos que se ven desde la parte posterior”. Es una copia de un dibujo realizado por Jacopo Bertoia, quien también fue conocido como Jacopo Zanguidi o Giacomo Zangoidi o Bertoja. El original se completó alrededor de 1565 – 1570 en Tiza Red y se puede encontrar en la Galería Nacional de Escocia, Edimburgo. Si vas a Wikipedia para investigar Bertoia, se sentirá tristemente decepcionado. No hay mucha información sobre él. De hecho, la mitad de la página solo enumera todos los nombres que fue llamado. Nació en Parma, Italia y estudió bajo Sabatini. El artista Sabatini, no Gabriela Beatriz Sabatini, que era un jugador de tenis profesional de Argentina y no de Rafael Sabatini, que era un escritor de inglés italiano, sino el artista de Lorenzo Sabbatini, quien también fue llamado el nombre de Lorenzino da Bologna o Sabatini, Sabatini o Sabadini. Todos estos nombres diferentes están llegando a ser un poco mucho. Así que vamos a seguir adelante. Jacopo Bertoia fue muy influenciada por otro pintor italiano con el nombre de Parmigianino. Trabajó en el estilo manierista, que difería del alto estilo renacentista al tener proporciones más expresivas y exageradas, lo que hace que el trabajo parezca menos equilibrado y armonioso. Parmigianino, cuyo nombre completo fue, esperármelo … estás listo … Girolamo Francesco Maria Mazzola. Pero espera hay mas. También fue conocido como Francesco Mazzola, pero en su mayoría es conocido por el nombre, Parmigianino. Podría haber acortado el nombre a ‘Parm’, como los camareros acortan “Berenjena Parmesan” a “Berenjena Parm”. Podría haber razones de todas estas mezclas de nombre. El artista podría haber querido originalmente que otros los llamen por su nombre completo, sin embargo, las personas ignoraron tales solicitudes y se les ocurrió su propia variación del nombre de los artistas. Esto es todo realmente solo una teoría. En otros casos, como en el caso de Lorenzo Sabbatini, ya que era de Bolonia se llamaba Lorenzino da Bologna. Lo que lo hizo sentir orgulloso de ser de Bolonia o lo calificó permanentemente como un forastero dondequiera que iba. Supongo que podría ir por Bradley Georgio de Orlando, que debo admitir que suena bastante bien.

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Copy of Tiepolo Drawing

Copy of a Tiepolo Drawing

My next offering is a drawing done with black and white Prismacolor brand pencils and sticks on gray toned paper. It is a copy of a drawing done in chalk on blue tinted paper by the Venice master, Giovanni Battista Tiepolo. That drawing, completed in 1751, is in the Staatsgallerie in Stuttgart, Germany. It is titled as “Nude Study: The Back of a Seated Man with a Crown of Reed”. I originally thought the reed crown was his hair. I was planning to make several jokes about the model having a bad hair day or maybe make a dig at Supercuts. So without that material to work from, I’ll have to get somewhat serious, as serious as I can be, about the great Tiepolo.
Giovanni Battista Tiepolo, or Giambattista as he was often called was born on March 5, 1696, in Venice, Italy. Not Venice, California.
Speaking of Venice, California, when I was going to college at San Diego State University, I took a road trip to Venice Beach. I wanted to check out a art gallery that was showing the work of perhaps the greatest living British artist, David Hockney. When I entered the gallery Mr. Hockney was standing there looking sophisticated and worldly wearing a tweed jacket. He looked at me and asked me if I had any questions about his work. It was an incredible opportunity. I could have asked him anything. Unfortunately, I froze and said that I just got there and was going to look around. He turned to a gallery employee and sarcastically joked that he was hoping I would buy his work. He was indeed being sarcastic. I was in my early 20s and was dressed like someone in their early 20s. I had on cut off jeans, and a t-shirt. I didn’t exactly look like someone that could afford to buy his work or proper leisure attire. I know I should have dressed nicer. However, in my defense, it was during the day and I didn’t think he would be there.
Now lets get back to Tiepolo, who is considered the greatest Italian Rococo painter. Unfortunately he passed away on March 27, 1770. So I was never able to meet him. If I was alive back then, I would have asked him… we’ll I can’t think of a good question. I’ll have to get back to you.

Google translation into Spanish:

Mi próxima oferta es un dibujo hecho con lápices y palos de la marca Prismacolor en blanco y negro sobre papel de tono gris. Es una copia de un dibujo realizado a tiza sobre papel teñido de azul por el maestro veneciano Giovanni Battista Tiepolo. Ese dibujo, terminado en 1751, se encuentra en la Staatsgallerie de Stuttgart, Alemania. Se titula “Estudio desnudo: la espalda de un hombre sentado con una corona de caña”. Originalmente pensé que la corona de caña era su cabello. Estaba planeando hacer varias bromas sobre la modelo teniendo un mal día de cabello o tal vez hacer una excavación en Supercuts. Así que sin ese material con el que trabajar, tendré que ponerme algo serio, tan serio como pueda, sobre el gran Tiepolo. Giovanni Battista Tiepolo, o Giambattista como se le llamaba a menudo, nació el 5 de marzo de 1696 en Venecia, Italia. No Venecia, California. Hablando de Venice, California, cuando iba a la universidad en la Universidad Estatal de San Diego, hice un viaje por carretera a Venice Beach. Quería ver una galería de arte que mostraba el trabajo de quizás el mejor artista británico vivo, David Hockney. Cuando entré a la galería, el Sr. Hockney estaba parado allí luciendo sofisticado y mundano con una chaqueta de tweed. Me miró y me preguntó si tenía alguna pregunta sobre su trabajo. Fue una oportunidad increíble. Podría haberle preguntado cualquier cosa. Desafortunadamente, me congelé y dije que acababa de llegar y que iba a mirar a mi alrededor. Se volvió hacia un empleado de la galería y bromeó con sarcasmo diciendo que esperaba que yo comprara su trabajo. De hecho, estaba siendo sarcástico. Tenía poco más de 20 años y vestía como alguien de poco más de 20 años. Llevaba unos vaqueros cortados y una camiseta. No me veía exactamente como alguien que pudiera permitirse comprar su trabajo o ropa de ocio adecuada. Sé que debería haberme vestido mejor. Sin embargo, en mi defensa, fue durante el día y no pensé que estaría allí. Volvamos ahora a Tiepolo, considerado el mayor pintor rococó italiano. Desafortunadamente, falleció el 27 de marzo de 1770. Así que nunca pude conocerlo. Si estuviera vivo en ese entonces, le habría preguntado … no puedo pensar en una buena pregunta. Tendré que contactarte.

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Copy of Titian’s “Study for St. Sebastian”

"Study for St. Sebastian" after Titian

Above is a copy of a drawing by Titian titled “Study for St. Sebastian in the high altar of SS. Nazarro e Celso, Brescia”, created around 1519 to 1520, and drawn with brown ink, brown washes, heightened with white on grey-blue laid paper. Titian’s work was done with thick ink lines so I substituted my usual pencils with a gel ink pen along with an of assortment black and gray markers.
Tiziano Vecellio, simply known as Titian, was considered by many to be the greatest painter in Venice, Italy during the 1500s.
He was born in Pieve di Cadore, a small town near the Alps, and then moved to Venice at the age of 10.
He started his artistic training at the Sebastiano Zuccato workshop. Then went to work with Giovanni Bellini, who at the time was already a well known artist. Titian also worked alongside with Giorgione, who would greatly influence his style.
Around 1511, Titian began an independent career in Venice. He went on to create the frescoes in the Scuola del Santo in Padua in what is known as his mature style. He became famous for his religious works as well as his portrait paintings.
Titian continued to paint and his work was in high demand all across Europe.
Around 1545, Titian traveled to Rome and met Michelangelo who greatly influenced his work.
Throughout the rest of Titian’s life, his brushwork became looser and more expressive.
Artists ranging from Sir Joshua Reynolds to Jean Auguste Dominique Ingres as well as the French Impressionists were all influenced by the work of Titian.
My former painting instructor, Bob Gross, also an excellent artist, was a big fan of Titian. Bob taught the painting techniques used by Titian and the other old masters. He would often talk about the glazes or thin layers of color that Titian layered on top of each other to create unique color combinations. Bob was an amazing teacher. Unfortunately he passed away earlier this year. Myself along with his other students will always remember his teachings and of course his fondness for Titian.

And here is the Spanish translation from the infamous Google translate:

Arriba hay una copia de un dibujo de Tiziano titulado “Estudio para San Sebastián en el altar mayor de SS. Nazarro e Celso, Brescia”, creado alrededor de 1519 a 1520, y dibujado con tinta marrón, lavados marrones, realzado con blanco sobre gris. -papel verjurado azul. El trabajo de Tiziano se realizó con líneas de tinta gruesas, así que sustituí mis lápices habituales con un bolígrafo de tinta de gel junto con una variedad de marcadores negros y grises. Tiziano Vecellio, simplemente conocido como Tiziano, fue considerado por muchos como el pintor más grande de Venecia, Italia, durante el siglo XVI. Nació en Pieve di Cadore, una pequeña ciudad cerca de los Alpes, y luego se mudó a Venecia a la edad de 10 años. Inició su formación artística en el taller de Sebastiano Zuccato. Luego pasó a trabajar con Giovanni Bellini, quien en ese momento ya era un artista muy conocido. Tiziano también trabajó junto a Giorgione, quien influiría mucho en su estilo. Alrededor de 1511, Tiziano inició una carrera independiente en Venecia. Luego pasó a crear los frescos en la Scuola del Santo en Padua en lo que se conoce como su estilo maduro. Se hizo famoso por sus obras religiosas y por sus retratos. Tiziano continuó pintando y su trabajo tuvo una gran demanda en toda Europa. Alrededor de 1545, Tiziano viajó a Roma y conoció a Miguel Ángel, quien influyó mucho en su trabajo. Durante el resto de la vida de Tiziano, su pincelada se volvió más suelta y expresiva. Artistas que van desde Sir Joshua Reynolds hasta Jean Auguste Dominique Ingres, así como los impresionistas franceses, fueron influenciados por la obra de Tiziano. Mi antiguo instructor de pintura, Bob Gross, también un excelente artista, era un gran admirador de Tiziano. Bob enseñó las técnicas de pintura utilizadas por Tiziano y los otros viejos maestros. A menudo hablaba de los esmaltes o delgadas capas de color que Tiziano colocaba una encima de la otra para crear combinaciones de colores únicas. Bob fue un maestro increíble. Desafortunadamente, falleció a principios de este año. Yo, junto con sus otros estudiantes, siempre recordaré sus enseñanzas y, por supuesto, su afición por Tiziano.

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Male Figure Study after Arnout Vinckenborch

Copy of a Vinckenborch Sketch

The drawing above was done in black and white prismacolor pencils on textured gray paper. The original work was done in white and black chalk on buff paper. According my large book of old master drawings that I’m working from, the work is by Rubens. However, it turns out to be by another artist by the name of Arnout Vinckenborch. The Fitzwilliam Museum in Cambridge, which houses the drawing, has re-attributed the work to be by Vinckenborch. Interestingly, the word draftsman is in parenthesis next to his name instead of referring him as an artist. The value and significance of an artwork is diminished when it is attributed to a lesser known artist. This begs the question of what is more important, the work itself or the person who created it.
Websites that sell reproductions of the drawing are still attributing the original work to Peter Paul Rubens. Most likely they don’t know that the attribution has changed or perhaps there is something more sinister going on.
Let’s learn a little about Arnout Vinckenborch. It will have to be a little because there is not much information about him. He was born in Alkmaar, around 1590. Alkmaar is small town in Northern Holland known for it’s cheese market. I only mention this because I like cheese. Don’t forget, this is my blog so I can make it about myself at anytime I choose to do so.
Getting back to Vinckenborch, he grew up in Amsterdam before moving to Antwerp. Vinckenborch worked in the studio of Rubens. His development as an artist and painting technique was of course greatly influenced by the great master. So a lot of his output is mixed in with Rubens and other fellow artists in work that came out of the studio. He did however produce some works of his own before his untimely death at the age of 30.

And now for the Spanish translation compliments of Google translate:

El dibujo de arriba se realizó con lápices prismacolor en blanco y negro sobre papel gris texturizado. El trabajo original se realizó con tiza blanca y negra sobre papel de ante. Según mi gran libro de dibujos maestros antiguos con el que estoy trabajando, el trabajo es de Rubens. Sin embargo, resulta ser de otro artista llamado Arnout Vinckenborch. El Museo Fitzwilliam de Cambridge, que alberga el dibujo, ha vuelto a atribuir la obra a Vinckenborch. Curiosamente, la palabra dibujante está entre paréntesis junto a su nombre en lugar de referirse a él como un artista. El valor y la importancia de una obra de arte disminuye cuando se atribuye a un artista menos conocido. Esto plantea la pregunta de qué es más importante, la obra en sí o la persona que la creó. Los sitios web que venden reproducciones del dibujo todavía atribuyen el trabajo original a Peter Paul Rubens. Lo más probable es que no sepan que la atribución ha cambiado o que tal vez esté sucediendo algo más siniestro. Aprendamos un poco sobre Arnout Vinckenborch. Tendrá que ser un poco porque no hay mucha información sobre él. Nació en Alkmaar, alrededor de 1590. Alkmaar es una pequeña ciudad en el norte de Holanda conocida por su mercado de quesos. Solo menciono esto porque me gusta el queso. No lo olvides, este es mi blog, así que puedo hacerlo sobre mí en cualquier momento que decida hacerlo. Volviendo a Vinckenborch, creció en Amsterdam antes de mudarse a Amberes. Vinckenborch trabajó en el estudio de Rubens. Su desarrollo como artista y técnica pictórica estuvo, por supuesto, muy influenciado por el gran maestro. Así que gran parte de su producción se mezcla con Rubens y otros artistas compañeros en trabajos que salieron del estudio. Sin embargo, produjo algunas obras propias antes de su prematura muerte.